Directed by Alex Cox

Alex Cox is an idiosyncratic director, known for the psychobilly classic Repo Man, as well as Walker and Sid & Nancy. Always sticking to his politically left-minded, somewhat anarchic beliefs, Cox has never achieved mainstream fame beyond the cult status of Repo Man and the Criterion releases of Walker and Sid & Nancy- making him a rare breed: a truly uncompromising independent auteur.

With his newest film, Searchers 2.0, Cox reveals a touching affinity towards Westerns old and young, as well as actors, mostly old. The film's title is a reference to John Ford's classic, The Searchers. Don't expect a sequel, though; instead, Searchers 2.0 is a fascinating odyssey centering around two former child actors, Mel and Fred, and their quest for vengeance upon a cruel, abusive acting coach: Fritz Frobisher.

Mel and Fred are diehard Western fans, able to discuss and reference their favorite films and cowboy heroes at the bar, but they are unsatisfied, bored, and embarrassed of the lives they lead as unsuccessful actors that never "made it". Mel and Fred are not impressive people by any means, but clever dialogue (the script is written by Cox) provides them with some semblance of wit and cleverness. A truly challenging film, Searchers 2.0 is art imitating life, imitating art. The actors playing actors are fully believable, ironically creating the very revenge story they love in the movies.

The film is an unbridled deliberation on masculinity- the passion that fuels revenge, the emotionless posturing of the cowboy- but it also succeeds, quite simply, as a road trip. The shots of the desert are effectively gorgeous, shot in digital by Steven Fierberg (on the lovely Sony HVR-Z1U). As our two heroes travel with Mel's daughter in her huge SUV through Monument Valley, discussing the state of the world as it stands, they experience epiphanies, rest-stops, and confrontations; the fact that the final duel is a movie trivia challenge about Sergio Leone is perfect, a summation of Mel and Fred's quest for revenge within the isolated, alienated land of actors, producers, and Fritz Frobisher.

Rating: 4/5

Título original: El precio de un hombre / The Bounty Killer

Año: 1966 (España, Italia)

Director: Eugenio Martín

Productor: José G. Maesso

Guionistas: José G. Maesso, Eugenio Martín, James Donald Prindle, según la novela Asesino a sueldo (The Bounty Killer) de Marvin H. Albert

Fotografía: Enzo Barboni

Música: Stelvio Cipriani

Intérpretes: Richard Wyler (Luke Chilson), Tomás Milian (José Gómez), Ella Karin [Halina Zalewska] (Eden), Mario Brega (Miguel), Hugo Blanco (El desertor), Glenn Foster [Enzo Fiermonte] (Novak), Lola Gaos, Ricardo Canales, Manuel Zarzo, Tito García (Zacarias), Antonio Iranzo, Luis Marín, Ricardo Palacios (Dueño de parador), José Canalejas (Juan), Frank Braña, Fernando Sánchez Polack (Secuaces de Gómez), Saturno Cerra, Augusto Pesarini, Goyo Lebrero (Cajero del banco), Enrique Navarro, Rafael Vaquero, Gonzalo Esquiroz, Antonio Cintado, Chiro Bermejo, Luis Barboo (Guardián)...

Sinopsis: Luke Chilson es un cazador de recompensas frío y metódico, que persigue a dos miembros de la banda del bandido mexicano José Gómez. Tras matar a uno, el otro logra huir y llega al poblacho donde vive la novia de Gómez, la ingenua Eden. Entre ambos, urden un plan para salvar a Gómez de la expedición que lo lleva a la cárcel de Yuma para ejecutarlo. Una vez liberado, Gómez se persona en dicho poblado con su banda reorganizada, donde progresivamente desvelará su auténtica personalidad de criminal egoísta y demente.

Adaptación de la novela del autor norteamericano Marvin H. Albert Asesino a sueldo (The Bounty Killer), que, pese a que de manera habitual se la suele incluir como uno de los más tempranos títulos surgidos al calor del éxito del segundo western de Sergio Leone, La muerte tenía un precio / Per qualche dollaro in piu / Für ein par Dollar mehr (1965), en realidad es al contrario, y es la génesis del proyecto de El precio de un hombre la que influenció a la segunda entrega de la denominada trilogía del dólar.

Al menos, eso es lo que se deduce de las palabras de los dos máximos responsables del film, su director, Eugenio Martín, en lo que suponía su debut en el género, siendo sin duda su mejor trabajo dentro del mismo y, por ende, una de sus películas más celebradas, y el de su productor, el extremeño José Gutiérrez Maesso, aunque la versión de los hechos de ambos cineastas difieran de forma sustancial. Así, mientras el director de Pánico en el Transiberiano comenta que fue a través de Duccio Tessari, uno de los guionistas de La muerte tenía un precio, a quien Martín y Maesso ofrecieron colaborar en el guión de la cinta que nos ocupa, que Leone conoció la existencia del proyecto (1), el veterano y prolífico productor va más allá, y señala que por mediación de un productor italiano Leone escribió para él un guión a partir de la novela de Albert, pero que al no convencerle dicho libreto, no se llevó a cabo el proyecto (2), el cual, de haber cristalizado, habría sido dirigido por el propio Sergio.

Sea como fuere, El precio de un hombre está considerado como uno de los más brillantes westerns hispanos jamás realizados, el cual además sirvió como bautismo en el género del actor de origen cubano Tomás Milian, en un papel, el de bandido mexicano, que retomaría en innumerables ocasiones a lo largo de su filmografía, y que francamente en esta película borda, hasta el punto de que su actuación se erige en uno de los principales valores de la cinta, un trabajo que llega a eclipsar el del resto de un por lo general inspirado reparto, muy especialmente el de su rival en la cinta, interpretado por el británico Richard Wyler, actor con cierto parecido físico a Leslie Nielsen y que en los años siguientes llegaría a protagonizar otros títulos encuadrados en idéntica corriente como Un hombre viene a matar / L’uomo venuto per uccidere (1967) de León Klimovsky, o Winchester Bill / Voltati… ti uccido! (1967) de Alfonso Brescia.

Teniendo en cuenta que no pocas fuentes acusan al argumento de la presente de poseer un discurso reaccionario, algo así como la desmitificación del bandido mexicano de buen corazón cuyo modo de vida ha sido propiciado por las circunstancias que le han rodeado, el cual aparecería en otros spaghettis dirigidos por gente como Sergio Sollima o Giulio Petroni, resulta ciertamente curiosa la elección de Milian para protagonizar esta cinta, ya que hasta ese momento la carrera del actor cubano se había venido desarrollando dentro del cine de autor italiano, especialmente junto a directores de tendencias izquierdistas, como Pier Paolo Passolini.

De este modo, la cinta nos pone tras los pasos de Luke Chilson, un cazador de recompensas que anda a la busca y captura de un bandido mexicano llamado José Gómez, evadido in extremis de una caravana policial que le conducía a una cárcel de máxima seguridad donde debía de ser ejecutado. El bounty killer sospecha que, una vez en libertad, Gómez se dirigirá hacía la aldea donde se crió y en la que vive su novia, a la que aquel ha tenido oportunidad de conocer en un lance anterior. Una vez en el lugar, Luke se encuentra con el rechazo de los habitantes del poblado, quienes le desprecian por quien es, “un hombre que vive de matar a otros”, mientras que admiran profundamente a José, al que tienen idealizado como una especie de bandido romántico ayudante de los oprimidos. Así, una vez José caiga en la trampa que le ha tendido Luke, serán los propios vecinos quienes ayuden al primero a escapar de las garras del gringo. Pero una vez José se instale en el lugar y los habitantes presencien los desmanes de este y sus compinches, decidirán liberar al cazador de recompensas, quien se encontraba preso del bandido, para que acabe con éste.

En este punto es de resaltar la labor de Eugenio Martín para producir en el espectador una transformación equivalente a la que viven los personajes que habitan en la aldea donde discurre la práctica totalidad de la acción, sin que por medio existan vínculos afectivos de un modo u otro, como es el caso. Así, en la primera parte de la cinta se nos muestra al cazador de recompensas como un tipo odioso y prepotente, mientras que el bandido mexicano, a pesar de su condición, nos es revelado como un tipo con cierto encanto que resulta incluso simpático. Sin embargo, y al igual que los aldeanos, según avance el metraje y vayamos descubriendo la verdadera cara del malhechor y sus compinches, por cierto, presentados estos de forma deliberada como una especie de pandilla de delincuentes juveniles (3), nuestros sentimientos hacia ambos personajes experimentarán un vuelco de trescientos sesenta grados, deseando, al igual que aquellos, que, a pesar del desprecio inicial hacia su persona, el asesino a sueldo ponga freno a las tropelías de los fuera de la ley y de modo especial los de su cabecilla.

Aparte de lo dicho, también es digna de alabar la cuidada, elegante y vistosa realización del director nacido en Ceuta, la cual obtuvo el galardón destinado a la mejor dirección en los Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo de 1966, logrando la película el segundo puesto destinado a mejor largometraje, siendo además, tal y como indica Rafael de España en su indispensable Breve historia del western mediterráneo, el único “western made in Spain que la crítica nacional se tomó en serio”. Y es que, aunque hayan pasado más de cuarenta años, parece que nada ha cambiado en la actitud de cierta parte de la crítica “seria” de este país, esa que por puro esnobismo desprecia por sistema todo aquel cine cuyas mayores aspiraciones sean a primera vista las de entretener, aunque sea ese tipo de películas las que posibiliten que se realicen esa otra clase de obras tan comprometidas socialmente y tan arriesgadas artísticamente que tanto parecen gustarles, pero que naufragan una y otra vez en taquilla ante el demostrado desinterés del público.

José Luis Salvador Estébenez

(1)  “El productor, José G. Maesso, conocía bien a Leone, cuyo guionista de confianza entonces era Duccio Tessari. Y de hecho fuimos a Roma porque Maesso quería proponer a Tessari colaborar en el guión de El precio de un hombre. Sin embargo, Tessari rechazó la oferta, porque estaba empezando a urdir con Leone una película que acabaría siendo La muerte tenía un precio. Pero leyó nuestro texto, y se interesó extraordinariamente por nuestra idea de un cazador de recompensas como protagonista, algo que nunca se había hecho en ningún western europeo. Por eso, me permito suponer que Leone, tras conocer nuestro proyecto por vía de Tessari, modificó la idea inicial que tuviera para La muerte tenía un precio, a fin de convertir a Clint Eastwood en un cazador de recompensas. Por lo demás, la película de Leone y la mía son totalmente distintas”. Eugenio Martín. Un autor para todos los géneros, de Carlos Aguilar y Anita Haas, Ed. Festival de Cine Clásico de Granada (2008).

(2)   “Habían pasado cuatro años desde que compré yo ese libro y se lo di a Sergio Leone, a través de Colombo, para que lo adaptara, pero cuando entregó el guión al cabo de unos meses, demasiados, me decepcionó: no era lo que yo esperaba y dejamos pasar el asunto. (…) En fin, aquel libro lo retomé años más tarde para ofrecer a Eugenio Martín El precio de un hombre”. José G. Maesso, el número 1 de Jesús García de Dueñas, Colección cine nº 6 / Ed. Festival Ibérico de Badajoz (2003).

(3)   “Otra cosa que trabajamos bastante en el libro Eugenio y yo fue basarnos en algo que estaba muy al día por aquella época, que estaba de moda, digamos, la delincuencia infantil: entonces, en lugar de poner a los seres corrientes que vivían en un pequeño poblado del Oeste, decidimos poner a chicos jóvenes, a chavales jóvenes que hacían cabronadas y venían a joder a todos los que estaban allí, y por eso se llama en la versión americana The Ugly Ones, que quiere decir los feos, los mal encarados”. Ídem cita anterior.

My Life With Miike

Japanese filmmaker Takashi Miike is prolific. With 78 films under his belt as director since 1991, Miike has tackled what seems like every conceivable genre, style, mood, and sexual perversion. His films themselves (of the 8 or so I've seen) are nothing if not memorable. Forever entrenched in my mind: the notorious and sadistic piano-wire slicing/sawing in the end of Audition, the cum-dripping high kick decapitations of Ichi the Killer, a dwarf brushing his teeth with cocaine in The City of Lost Souls, the blood-soaked bathroom murders and machine gun bullets to exploding stomach of pasta opening montage of Dead or Alive (and the bazooka blast apocalypse ending of Dead or Alive), the explicit birthing a full grown man in the Gozu, the grace and mystery of the Three…Extremes short Box, and (of course!) the hyper-violence of Fudoh: The New Generation that served as my introduction to Miike.

Let's rewind: I moved to Chicago in the fall of 2003 to attend college. I was a young and naive whippersnapper (i.e. drunk and surly) in the Windy City, and my newly acquired Facets Multimedia membership opened me up to a plethora of films they didn't carry at my previous rental location, Video Villa in Glen Ellyn, Illinois*. Being 18 years old and thirsty for obscurity, I came across the films of Takashi Miike. I’m almost certain he came to my attention when I read a write up of Fudoh: The New Generation somewhere on the Internet**, but I don't remember exactly. What I do remember was the accompanying image. A low angle shot, possibly from the ground, of a naked girl. She was pretty, in a compromising and awkward position, and most importantly, preparing to shoot a dart out of her vagina.

I remember coming home from class some mornings, cooking up a bowl of ramen noodles, and popping in a Miike movie. Most times I wouldn’t even eat the ramen, and almost always couldn’t even begin to relate what had happened in the film to inquiring friends. A mixture of Miike’s incoherence mixed with his hit or miss plotlines was most likely the culprit. I remember seeing Ichi the Killer at the Facets Cinematheque, which was my first time experiencing a Miike film not by myself in my dorm room. I remember the sensation of sharing the gross-outs and repulsion with a hundred or so kindred spirits. We came to witness unthinkable violence and torture, got what we came for and more, and were pleasantly disgusted. Later I remember watching Battle Royale ,Versus, and the films of Shinya Tsukamoto and Chan-wook Park.

The years went by, and the influence of J-horror and the “Asia Extreme” movement manifested itself in the worst of American cinema. Saw came and went, as did unwatchable sequels. Eli Roth and his hair gel evoked Miike’s name enough times to use the “If I had a dollar for every time he said…” phrase. Rob Zombie cited Miike in the creation of his House of 1000 Corpses and Devil’s Rejects. The Ring, The Grudge, One Missed Call, and Pulse remakes happened. “Torture porn” became a commonly used phrase and “style” in the States. Michael Haneke remade Funny Games shot-for-shot so it could be released in the US, so he could prove how bad of people we all are. In short, shit got out of hand, fast.

While the bulk of the “Asia Extreme” films I saw made an impression on me at the time, most of them had little to no lasting power***. My interest faded – novelty at best, I thought. I mean, I wasn’t a teenager any more! It took more than Tadanobu Asano cutting off his tongue in close up for me to get my kicks****. So with my waning interest in ultra-violent Asian cinema, Miike was cast out with it. In retrospect, this seems totally unfair, as Miike is a seemingly inexhaustible work-for-hire type of robot, a man who has cranked out an endless stream of diverse films. But pigeonhole him I did, and a year or so after my fading interest, I rented Gozu, an absurdist, Lynchian tale of alienation and full of Freaks-esque sideshow characters (which not coincidentally played at Cannes, it being “arty” and all). I remember being startled by the restraint and beauty of his short Box, which, accompanied with Fruit Chan’s dead-baby eating Dumplings and Chan-wook Park’s torture comedy Cut seemed the work of a seasoned art-house director. These two films showed me a different side of Miike, a man capable of more than single-minded genre films. Then time, as usual, came and went

[Excluding Box, Miike has made 15 films since Gozu (the last Miike film I saw). I remember one playing in Chicago, Izo, a film about a time traveling samurai/assassin, and while it sounded awesome, for whatever reason I didn’t make it out. Naturally I was excited to see that Sukiyaki Western Django was getting some sort of proper release in the US, which is most certainly rare for a Miike film despite his rabid cult following and torture-porn trend setting.

Sukiyaki Western Django

Sukiyaki Western Django opens in acid-western territory, where a computer generated sun, sky, and mountain backdrop pour out saturated reds and blues. The faux set is emphasized, and its fakeness is played for laughs. Miike wants you to know that this is a movie, and at that, a movie-movie, so in other words, hardly a movie at all. What you are seeing is not a spaghetti western, or a samurai film for that matter. What you are seeing is the appropriation of two film movements (i.e. genres, loosely) as chewed up and spit back out by a violence-obsessed workaholic with a penchant for cinematic insanity.

The film is introduced by way of Quentin Tarantino channeling Elvis/Eastwood as Ringo, who appears by slicing open a snake and mowing down some rival gunslingers. As master of ceremony for the picture, QT is given the special duty of ‘telling the tale’, which more or less involves him hanging around for too long in iconic close-ups. The tale, too, leads us to “400 years later” and to “Nevada”, neither of which make any sense.

The real set up, by way of Yojimbo/A Fistful of Dollars, involves a lone and unnamed gunman (Hideaki Ito) offering up his mercenary services to rival gangs in the war torn town of Yuda. The rival gangs in question are color coded for clarity (the Red and the White), and what follows is easier described in vague comparisons than in plot description – a big old fucking spaghetti western samurai milkshake (metaphor).

Like most Miike, the film is structured in alternating stretches of high-octane lunacy and sterile, undercooked drama (i.e. backstory). If anything has changed since my previous encounters with Miike, it’s that his stretches of tedium have been compressed. Gone are the epic stretches of monotony (e.g. Dead or Alive), but that’s not to say he’s become a balanced filmmaker. If anything his divided skill set is as noticeable as ever (as evidenced by the several uninspiring flashback sequences), he just seems to have scaled back the attention necessary “plot” points. All the better, I think, since Miike is truly at his best when he’s throwing it all up on the screen without giving a fuck. And that’s really what makes Sukiyaki Western Django enjoyable.

If you’re A.O. Scott, or whoever, it’s easy to dismiss Sukiyaki as a pointless imitation, homage, pastiche, or whatever the fuck. But what we all need to remember is that spaghetti westerns were imitations to begin with. The attempt by Italian directors to imitate the old masters (e.g. Ford, Hawks, Walsh, et al.) and their subsequently incomplete, bastardized interpretation of the American west and the western genre is the key to their notoriety. The result of this interpretation was the western stripped down to its core—manifest destiny and the American morality of studio era westerns were told to get the fuck out, and what remained was greed, violence, greed, violence, memorable Ennio Moriccone scores, three day beards (e.g. Eastwood, Nero), radical CinemaScope framings, bad post-sync sound, and more violence.

The tradition of the spaghetti western puts Sukiyaki in a curious position. If the original spaghetti westerns were at worst cheaply imitative B-westerns, then what to do with a film that is imitative of an already inferior genre? If you’re Takashi Miike, you can have all the actors, who are Japanese, speak in phonetic English. Being one of the weirder filmmaking decisions in recent memory, it takes a while to get used to. The actors toss up cliché after cliché, sounding it out in often the wrong tone and/or mood, making one’s native language sound foreign and familiar at once. This makes for an odd, almost post-sync type effect that is synonymous with the spaghetti western, and it also helps to cultivate Miike’s absurdist aspirations.

Sukiyaki’s central position (i.e. point) is that it is a derivative of a derivative genre/movement, and this could lead one to read the film in a plethora of meta, but for real it isn’t much more than Miike flexing knowledge on his DVD collection. Corbucci’s Django is evoked by way of extensive gatling gun use, along with a cover of Luis Enrique Bacalov’s title theme. The lone gunslinger is jacked from every (spaghetti) western ever, the out of nowhere snow recalls The Great Silence and possibly Altman’s anti-western McCabe and Mrs. Miller, the warring factions are straight out of the Yojimbo/Fistul of Dollars camps, and the list goes on and on and on.*******

The question, then, is why this film isn’t just a pointless exercise in director masturbation. The answer, though not unfortunately, is that it is. But with Miike’s filmography in the rearview mirror, it is still a work of strong personality. Miike is an auteur in the truest Cahiers du Cinéma sense of the word. His personality is recognizable through all the muck (perhaps his personality is the muck itself), and it’s as recognizable as a Tarkovsky dolly shot or the always professional Hawksian protagonist. While much has changed in the years between Audition and Sukiyaki Western Django, the only glaring difference is the restraint in gore and graphic violence that was once Miike’s trademark. In a treacherous time of studio homogenization and celebration of faux-liberal cinematic Hollywood hogwash, it’s pretty fucking great to watch and enjoy a movie made by and for a man who first and foremost loves movies (the film's energy and high flying spirit are not dismissible). I think it might be time to rediscover Miike not as the single-note violence monger I once thought (and loved) him as, but instead as an ever expanding, improving, and constantly shifting artist with a bright future still ahead of an already storied and proven past.

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*To be fair, Video Villa had (I think?) every Cronenberg movie on VHS, which, among other VHS rentals (see: Caligula, Lost Highway) was essential to my lengthy coming of age / becoming a cinephile period (1997-2002).

**This image might have come from a review on Filmthreat.com, but I don't remember for shit. In an interesting side note, TIME Magainze listed Fudoh: The New Generation as one of its top 10 films of 1997. The Internet tells me this but I can't find it to actually confirm. Corliss? Really?

***With probably the sole exception of Shinya Tsukamoto, whose work I’m not as familiar with as I’d like but am very much impressed by to this very day. Seeing A Snake of June on Sundance Channel last year was a pleasant surprise, and I’ll probably forever be a fan of Tetsu: Iron Man and Tokyo Fist.

****I realize this might sound serious and/or condescending. It’s not. But there really is only so much extreme violence you can take before the whole ‘desensitization’ thing comes in. It just doesn’t pack that much of a punch. I think at this point I became whole-heartedly obsessed with the American west, which means lots of Hawks/Ford/Peckinpah/Fuller.

*****This past weekend a friend of mine explained his love of Quentin Tarantino’s acting with analogy similar to Jason McElwain, the autistic basketball player who hit all those sweet shots when he had the chance to get in an actual game last year. Basically, he was suggesting that Tarantino is a bad actor, and that it is overshadowed because he’s transparently trying so hard whenever he gets the chance (i.e. it’s cute, funny, sad all at once). While I partially agree with this theory, Tarantino’s acting reminds me more of the annoying kid on your football team who wore a hockey jersey to school everyday, had a real bad attitude and talked massive amounts of shit despite crapping the bed any time he actually got a chance to play (i.e. Tarantino is so fucking annoying I will give him no credit).

******This is a generalization, but speaks very close to the truth. From where I’m sitting, there are only two genuine masters of the spaghetti western, Sergio Leone and Sergio Corbucci. All told, they combine for around 6-8 mostly excellent films, which is more or less the cream of the crop as far as spaghettis go. There are exceptions everywhere, but everyone needs to get real, since most spaghetti westerns absolutely suck. This is probably because outside of the aforementioned auteurs, many spaghetti westerns were in fact not cast out of the unique Italian revision of the American Western, but rather cast from the mold of A Fistful of Dollars, Django, and the ‘best-of’ the whole ‘genre’. [It’s also important to note that zombi master Lucio Fulci made some Italo-westerns, and the only one I’ve seen, Massacre Time, starring Franco Nero, was pretty awesome in its own sweaty, bloody, bar-fighting way.]

*******This is acknowledged as being both lazy and not wanting to sound like "I've seen all these movies you haven't" guy so I can reference them in this article. The truth of the matter is that the bulk of my Italo-western viewings/introductions were in a Spaghetti Western class in college, which was an excellent gateway.

Unul dintre cele mai marfa filme vazute de mine (si trust me, am vazut destule)!!!! Un western japonez!!! Mult mai mult decat atat. Este in primul rand un tribut adus filmelor "spaghetti western" (inca din titlu,"suriaki" fiind un fel de spaghete japoneze), dar realizat de un japonez, in stilul inconfundabil al lui Tarantino-care pe langa faptul ca si-a "bagat coada" la greu in realizarea proiectului asta, joaca si un rol secundar in film, in care se distreaza grozav, vorbind engleza cu un pronuntat acent japonez. Filmul mixeaza cu succes cliseele westernurilor italiene, atmosfera dementa din "Moulin Rouge" , onoarea impinsa pana la extrem a samurailor lui Kurosawa si modul de filmare "made by" Tarantino din "Kil Bill" ......Isi mai aminteste cineva  de "DJANGO" ( ala din 1966, cu Franco Nero)?? Ei bine, Takashi se pare ca si-a amintit, si impreuna cu Tarantino au realizat un remake original dupa acesta, si totodata un omagiu adus lui Sergio Corbucci si tuturor spaghetti westernurilor care ne-au incantat aproape tuturor copilaria. Si au reusit cu varf si indesat. Povestea, la fel ca si in "DJANGO" este aceeasi, un pistolar singuratic ajunge undeva intr-un orasel stapanit de doua bande rivale, unde evident nimereste la mijloc, in confruntarea dintre acestiea. Avem de toate, un orasel tipic de western, dar presarat cu pagode din loc in loc, japonezi imbracati in cowboy care vorbesc cu accent, dueluri cu pistoale si sabii, umor dement, sange in valuri, un "shot-down" monumental al sfarsit, cadre si culori specifice lui Tarantino, toate astea pe o coloana sonora care te face sa-ti amintesti mult timp dupa, ca ai vazut filmul asta. Nu trebuie sa fii neaparat fan Tarantino sau nostalgic dupa "spaghetti western" ca sa-ti placa filmul asta. E mult prea bine realizat ca sa nu mearga la sigur !!!! In concluzie, va zice fratilii vostru, vedeti trailerul (cu sonorul la maxim) si decideti singuri dupa aceea. Sincer, VEDETI TRAILERUL !!!

Ya tenéis disponible en el blog del amigo Julio Alberto 800 spaghettis westerns, que como su nombre indica esta dedicado a este tipo de cine, una pequeña biografía escrita por este servidor sobre el reivindicable artesano José Luis Merino.

Para todos aquellos que estéis interesados en leerla, para acceder a ella tan solo debéis de pulsar el siguiente enlace:

http://800spaghettiwesterns.blogspot.com/2008/09/jos-luis-merino.html

speaking of video, at most likely our last soundstage visit ever (Hillary: "We're too old for this."  is she right?) we played with an expensive video camera and all saw ourselves on TV in high definition.  I didn't know I had such a zig-zaggy part in my hair!

pictures forthcoming...I'd copy from facebook but they downscale everything and it's terribly frustrating!

meanwhile, if I had a motorbike...

{via polkadot}

(By Davide) 

Il 1964 è l’anno di un grande successo internazionale per il cinema italiano: Per un pugno di dollari, primo capitolo della celebre “trilogia del dollaro”, consacra Sergio Leone sul grande schermo, iniettando nella fantasia di milioni di spettatori il suo mondo brullo e desolato, popolato da angeli della morte e solitari giustizieri. Lo spaghetti-western, come sarà chiamato, trasfigura e spesso stravolge i canoni del western tradizionale (all’americana), rovesciando i miti della frontiera, della giustizia e dell’eroismo: fuorilegge, contrabbandieri, assassini, i suoi personaggi vagabondano in un paese dove la voce più forte è il fischio delle pallottole. Nel contempo, l’approccio visivo di Leone riesce a trasfigurare questa “terra di nessuno” toccando vette straordinarie di epicità. Ancora di più, le musiche di Ennio Morricone, partner insostituibile del regista, si dimostrano capaci di rendere “parlante” un fischio, un trillo, un accordo di chitarra. Esse formano il vero “paesaggio” entro cui si muovono i guerrieri solitari, in primis Clint Eastwood, divenuto con la sua performance laconica e corrucciata l’icona del genere.

Ciascuno dei tre episodi della “trilogia” merita un elogio a parte. Per ragioni puramente soggettive metto davanti agli altri Per qualche dollaro in più (1965), capitolo centrale che considero il più riuscito. La trama è, al tempo stesso, trascinante ed essenziale: il Colonnello Douglas Mortimer (Lee Van Cleef) è un flemmatico e inappuntabile bounty killer, sulle tracce dell’Indio (Gian Maria Volontè) uno spietato fuorilegge sulla cui testa pende una taglia di ben 10.000 $. Ma un bottino così alto fa gola anche ad un altro pistolero, detto “il Monco” (Clint Eastwood), deciso ad agguantare la preda prima del suo rivale. Trovatisi faccia a faccia nella cittadina di El Paso, i due decidono di formare una “società” per abbattere l’Indio e l’intera banda (tredici uomini). Mentre si scatena un confronto all’ultima pallottola, emergerà un legame oscuro, un segreto che unisce l’Indio e il Colonnello…

Lo stile di Leone, fatto di abbaglianti campi lunghi e di controcampi drammatici, è qui al suo apice. Le musiche di Morricone sono epilettiche e sfolgoranti. In mezzo a questo bagno di piombo e sangue, il suono di un carillon accompagna lo spettatore, tingendo gli episodi con un tocco surreale: impossibile non restarne ipnotizzati. Il duello finale è un pezzo di bravura che da solo riassume la quintessenza del genere: palpitante e fatale. Da vedere e rivedere.

SPOILER!

[Attenzione! Il filmato sottostante mostra la scena finale del film. Non che mostri qualcosa che non si sa già (è il duello finale, e chi conosce un pò Sergio Leone sa già come va a finire), ma ho pensato fosse il modo migliore per presentare la trilogia del dollaro. Questa scena è meravigliosa e anche solo guardare questa dovrebbe farvi innamorare dello spaghetti western del grande regista italiano.]

Además de las proyecciones se prevee una mesa redonda con Carlos Aguilar y el director Tonino Valerii entre otros.

La programación es la siguiente:

Martes 2 de septiembre
22.00 Western hispano-italiano
Sala 1 Por un puñado de dólares / Per un pugno di dollari (Sergio Leone, 1964). Int.: Clint Eastwood,
Gian Maria Volonté, José Calvo. España, Italia y Alemania. VOE. 99'.
"En este su primer western Sergio Leone vierte una interpretación del género radicalmente innovadora, en
todos y cada uno de los elementos que componen un texto fílmico. Una interpretación todavía titubeante, por refinar, antes instintiva que reflexiva. Pero que se definirá a la perfección, escrupulosamente pulida, en sus siguientes obras" (Carlos Aguilar).

Miercoles 3 de Septiembre
20.10 Western hispano-italiano
Sala 1 Brandy / Cavalca e uccidi (José Luis Borau, 1963). Int.: Alex Nicol, Maite Blasco, Antonio Casas.
España e Italia. VOE. 84'
"Pechando como puede con un argumento pobre y, para colmo de males, de desarrollo previsible, que además se precipita abruptamente en el tramo final, Borau empero triunfa en su mímesis del western americano a la hora de guardar un ritmo calmo, mediante bonitos planos largos y una abundancia de panorámicas y travellings donde la cámara se mueve con rigor y precisión, en un dechado de buen gusto y sin alardes gratuitos" (Carlos Aguilar)

22.30 Western hispano-italiano
Sala de verano Los despiadados / I crudeli (Sergio Corbucci, 1967). Int.: Joseph Cotten, Norma Bengell,
Julián Mateos. España e Italia. VOE. 91'
Copia nueva.
"Curioso ejemplo de western itinerante, más condicionado por la tradición americana del género que otros del mismo director, cuya personalidad, con todo, es bien visible, ya sea en la violencia paroxística de muchas escenas, ya sea en el espíritu bizarro que anima los personajes y las situaciones. En más de un aspecto, ha influido en Quentin Tarantino" (Antonio Bruschini y Antonio Tentori)

Jueves 4
22.25 Western hispano-italiano
Sala 1 Django (Sergio Corbucci, 1966). Int.: Franco Nero, Loredana Nusciak, Eduardo Fajardo. España e
Italia. VOE. 89'
"Película al borde del surrealismo en su creación de inolvidables momentos delirantes: la entrada del héroe en el pueblo, arrastrando un ataúd; su lucha final con los villanos, entre las cruces del cementerio; la procesión de los fanáticos racistas evocando el Ku Klux Klan... en un clima de crueldad omnipresente donde es imposible contar la gente que muere de modo casi ininterrumpido" (Alain Petit).

Viernes 5
22.10 Western hispano-italiano
Sala 1 Oro maldito / Se sei vivo, spara (Giulio Questi, 1967). Int.: Tomás Milian, Marilú Toló, Roberto
Camardiel. Italia y España. VOE. 91'
"Una película provocativa, cuyos personajes son personalísimos fantasmas: el gran Tomás Milian es un
Cuchillo Sánchez pasado por el Mahabharata, el terrateniente es un dandy que puede permitirse citar a Sade y comanda una manada de machotes vestidos de negro que parecen salidos de una pesadilla de Kenneth Anger, la sensual Marilú Toló y la infeliz Patricia Valturri parecen sacadas de una película de terror de Freda, y el incendio final recuerda a la vez Johnny Guitar y la casa Usher" (Andrea Bruni)

Sabado 6
22.00 Western hispano-italiano
Sala 1 El precio de un hombre / The Bounty Killer (Eugenio Martín, 1966). Int.: Richard Wyler,
Tomás Milian, Ella Karin. España e Italia. VOE. 96'
"Uno de los mejores westerns dirigidos por un español, con una estupenda banda sonora de Stelvio Cipriani,
que supone la entrada de Tomás Milian en el género, mediante una de sus interpretaciones más intensas y
menos conocidas, lejos del histrionismo en que cayó durante los años 70 (...) Los personajes son magníficos, y viven y mueren casi en simbiosis con el ambiente que los circunda, solitario, calcinante y desértico" (Federico De Zigno).

Miercoles 10
22.30 Joaquín Romero-Marchent / Western hispano-italiano
Sala de verano La justicia del Coyote (Joaquín Romero Marchent, 1955). Int.: Abel Salazar, Gloria
Marín, Manuel Monroy. España y México. 72'
"El nacimiento propiamente dicho del Western español en el cine sonoro, mediante el díptico compuesto por
El Coyote y La justicia del Coyote. Fue rodado en Titulcia por Joaquín Romero Marchent tras el abandono del
director inicialmente designado, el mexicano Fernando Soler, dado que se trataba de una coproducción
oficiosa con México, y escrito por Jesús Franco partiendo de un viejo guión de Antonio Abad Ojuel, que a su
vez había conocido otras versiones, pues el proyecto existía desde tiempo atrás y estuvo a punto de cuajar en manos de cineastas tan dispares como Florián Rey y León Klimowsky" (Carlos Aguilar)

Viernes 12
20.00 Western hispano-italiano
Sala 1 Lo chiamavano Trinitá (Le llamaban Trinidad, Enzo Barboni, 1971). Int.: Terence Hill, Bud
Spencer, Farley Granger. Italia. VE. 106'
"Al codificar sus propias reglas y asentarse en un espacio propio, el eurowestern pudo ofrecer como muestra de madurez (ojo: genérica) una parodia de sí mismo. El fenómeno Trinidad articula una mirada descarada, ni desmitificadora ni iconoclasta, sobre el género, y no se burla de las grandes películas sino de sus imitadores" (Ramón Freixas y Joan Bassa)

22.30 Western hispano-italiano
Sala de verano La tumba del pistolero (Amando de Ossorio, 1964). Int.: George Martin, Mercedes
Alonso, Silvia Solar. España. 84'
"Ossorio retoma una historia policiaca que tenía ambientada en el mundo de los toros y titulada ‘As de
espadas' y, a petición de los productores, hace los cambios pertinentes para convertirla en un western, que
rueda durante pocos días en la sierra madrileña en enero de 1964. Y matiza la trama original con toques
cómicos, en los diálogos, y melodramáticos, en el desarrollo" (Rafael Calvo).

Domingo 14
20.00 Western hispano-italiano
Sala 1 ¡Mátalo! / Mátalo! (Cesare Canevari, 1970). Int.: Lou Castel, Corrado Pani, Claudia Gravy. Italia y
España. VOE. 84'
"Su originalidad y coherencia descansa sólo en el estilo. Apenas hay diálogos, y el montaje está en función de la banda sonora compuesta por Mario Migliardi, que combina por lo menos cuatro estilos (las guitarras
eléctricas típicas del spaghetti western, el rock psicodélico, la música electrónica y ciertos subrayados
orquestales). Así, las transiciones de un estilo musical a otro se convierten en la única lógica auténtica de una trama que transcurre en una dimensión alucinada, con unas acciones que se repiten y otras que no se
explican" (Alberto Pezzotta).

Martes 16
19.30 Joaquín Romero-Marchent / Western hispano-italiano
Sala 1 El sabor de la venganza/I tre spietati (Joaquín Romero Marchent, 1963). Int.: Richard Harrison,
Gloria Milland, Robert Hundar. España e Italia. VOE. 100'
"Película de grandes méritos, está construida sobre un argumento harto sencillo. El relato, además, no resulta original en absoluto, ni busca coartadas ideológicas o de moda. Más aún, su sencillez termina por constituir uno de los mayores puntos de apoyo para la arquitectura final del film" (Patxi Urquijo).

Miercoles 17
20.00 Western hispano-italiano
Sala 2 Por un puñado de sueños (Antonio Lobo, 2006). Documental. España. Vídeo. 77'
El nacimiento y la crisis del cine en Almería a través de los nativos que trabajaron junto a uno de los artistas
más populares del siglo XX, el director italiano Sergio Leone. La historia de una región alejada del mundo que un día recibió en avalancha la llegada del negocio del cine.
Segunda proyección día 27.

Jueves 18
19.30 Western hispano-italiano
Sala 1 Il mio nome é Nessuno (Mi nombre es Ninguno, Tonino Valerii, 1973). Int.: Henry Fonda,
Terence Hill, Piero Lulli. Italia, Francia y Alemania. VOItSE*. 117'
Copia cortesía de la Cineteca Nazionale.
"Mi nombre es Ninguno es, después de El bueno, el feo y el malo y Hasta que llegó su hora, la tercera y definitiva lápida del Western all'italiana, porque a pesar de (o, más bien, 'gracias a') sus defectos, sintetiza
(¿involuntariamente?, no tiene importancia) 'también' el proceso que ha dado vida al western posmoderno
conduciéndolo a un rápido final" (Roberto Curti)
Mesa redonda con la asistencia de Eugenio Martín, Joaquín Romero Marchent, Tonino Valerii, moderada por Carlos Aguilar.

Viernes 19
17.30 Western hispano-italiano
Sala 1 Ognuno per sè (Los profesionales del oro, Giorgio Capitani, 1968). Int.: Van Heflin, Gilbert
Roland, Klaus Kinski. Italia y Alemania. VOItSE*. 101'
"Una pequeña obra maestra, cuyo tratamiento reúne muy bien la lección americana del género con los rasgos europeos, potenciado por una bellísima música de Carlo Rustichelli y basándose en el contraste psicológico entre las dos parejas masculinas protagonistas. Inteligentemente contrastado con los personajes del americano Van Heflin, el mexicano Gilbert Roland y el uruguayo George Hilton, el rol de Kinski es formidable, un pérfido asesino homosexual que se mueve cual felino, mira de soslayo y apenas habla" (Carlos Aguilar).
Segunda proyección día 24.

19.30 Joaquín Romero-Marchent / Western hispano-italiano
Sala 1 Antes llega la muerte/I sette del Texas (Joaquín Romero Marchent, 1964). Int.: Paul Piaget,
Gloria Milland, Jesús Puente. España e Italia. VOE. 98'
"Una del todo honesta y muy conseguida remodelación-homenaje del estilo de western a la vez físico y
psicológico que durante los años anteriores habían cultivado en Hollywood cineastas como Budd Boetticher,
Anthony Mann, Robert Parrish, Henry King o John Sturges" (Carlos Aguilar).

Sabado 20
20.00 Joaquín Romero-Marchent / Western hispano-italiano
Sala 2 La venganza del Zorro/Zorro, le Vengeur (Joaquín Romero Marchent, 1962). Int.: Frank
Latimore, María Luz Galicia, Howard Vernon. España y Francia. VOE. 84'
"Apuesta ya por un estilo propio, bien delimitado, que puede definirse como clásico, pues se distingue por
subordinar la cámara a la claridad expositiva. Marchent se va a alejar de los planos estrafalarios, de las
angulaciones extrañas, de los toques de pseudovanguardia, de todo efectismo visual" (Pedro Gutiérrez
Recacha).

Domingo 21
17.30 Western hispano-italiano
Sala 1 C'era una volta il West (Hasta que llegó su hora, Sergio Leone, 1968). Int.: Claudia Cardinale,
Henry Fonda, Charles Bronson. Italia. VOItSE*. 170'
Copia restaurada por la Cineteca Nazionale.
"Leone no está más lejos de las leyendas del western americano que los pintores florentinos del Renacimiento de la crucifixión de Jesucristo, y, si una película debe ser, por lo menos, un vehiculo o una expresión, el punto de vista de Leone es tan válido como el de cualquier director americano (...) Leone ha conseguido crear una obra de arte que en sustancia es una película muda, usando los diálogos sólo como si fueran subtítulos aforísticos. Podría suprimirse todo el diálogo, y entenderíamos igualmente las obsesiones que representan cada uno de los protagonistas" (Andrew Sarris).
Segunda proyección día 25.

Martes 23
17.30 Western hispano-italiano
Sala 1 El retorno de Ringo / Il ritorno di Ringo (Duccio Tessari, 1965). Int.: Giuliano Gemma, Lorella
di Luca, Fernando Sancho. España e Italia. VOItSE*. 96'.
"Es La Odisea, evidentemente, con Ulises que vuelve camuflado de mendigo mexicano, de acuerdo con
ingredientes fundamentales en el Western europeo como son la ocultación de la identidad y el doble juego
(...). Penélope es una mujer cuya ambigüedad se mantiene durante toda la película, y su doble femenino
mexicano, solar y clara en los sentimientos, es una Nieves Navarro muy sexy, que finaliza la película
marchándose a lomos de un burro como guiño a la Gina Lollobrigida de Pan, amor y fantasía" (Giorgio
Placereani).
Segunda proyección día 27.

Miercoles 24 LOS PROFESIONALES DEL ORO
Jueves 25 HASTA QUE LLEGO SU HORA
Sabado 27 POR UN PUÑADO DE SUEÑOS (documental) / EL RETORNO DE RINGO

Domingo 28
20.00 Western hispano-italiano
Sala 2 Manos torpes / Quando Satana impugnò la colt (Rafael Romero Marchent, 1969). Int.: Peter Lee
Lawrence, Pilar Velázquez, Alberto de Mendoza. España e Italia. VOE. 93'
Copia nueva.
"De los muchos westerns de Rafael Romero Marchent, sin duda es uno de los más interesantes y particulares, en virtud de un argumento de melodrama (venganza, amor desesperado, violencia sádica) en el cual se insertan rasgos de terror y curiosas contaminaciones de cine oriental. El sendero de la venganza emprendido por el protagonista (Peter Lee Lawrence, en su clásico rol de joven inicialmente bondadoso que se convierte en un temible pistolero por culpa de la crueldad ajena) es una auténtica pesadilla" (Federico De Zigno).

Título original: Los despiadados / I crudeli

Año: 1967 (Italia, España)

Director: Sergio Corbucci

Productor: Albert Band

Guionistas: Alfredo Antonini [Albert Band], Ugo Liberatore, José G. Maesso

Fotografía: Enzo Barboni

Música: Ennio Morricone [acreditado como Leo Nichols]

Intérpretes: Joseph Cotten (Coronel Jonas), Norma Bengell (Claire), Julián Mateos (Ben), Ángel Aranda (Nat), Claudio Gora (Reverendo Pierce), María Martín (Kitty), Gino Pernice (Jeff), Julio Peña (Sargento Tolt), Ennio Girolami (Comandante del Fuerte Brent), Benito Stefanelli (Slim), Aldo Sambrell (Pedro, el jefe de los bandidos mexicanos), Claudio Scarchilli (Jefe indio), Al Mulock (Begger), Gene Collins, William Conroy (Soldados de la Unión), José Nieto (Sheriff), Ivan Scratuglia, José Canalejas, Simón Arriaga, Álvaro de Luna...

Sinopsis: Pese al fin de la Guerra de Secesión norteamericana, un coronel sudista no se da por vencido y con la ayuda de sus tres hijos planea atacar una caravana yanqui encargada de transportar una importante cantidad de dinero, con el cual pretende formar un nuevo ejército con el que retomar la lucha.

Sin llegar ni al nivel ni a la popularidad de sus dos obras maestras dentro del género como son Django (1966) e Il grande Silenzio / Le grand Silence [dvd: El gran Silencio, 1968], Los despiadados / I crudeli, coproducción hispano-italiano de 1967 protagonizada por el veterano Joseph Cotten, actor que al igual que su viejo camarada Orson Welles encontró acomodo en el cine europeo en el declive de su carrera, es una buena muestra del porqué del elevado estatus que dentro de los terrenos del spaghetti-western goza la figura de su realizador, el trasalpino Sergio Corbucci.

Coincidencias de la vida, si algo llama la atención de este título en cuestión es lo alejado que se presenta de los principales axiomas del género en su vertiente europea. Bien es cierto que no faltan las matanzas tan habituales dentro de esta corriente - ni más ni menos que una escolta de treinta soldados nada más empezar el film –, o la negatividad de sus personajes principales, hasta el punto de hacerse harto difícil encontrar dentro de estos alguno que posea un perfil positivo, el cual acaba recayendo en el interpretado por la brasileña Norma Bengell, pero el espíritu de su conjunto está más cercano al del western clásico que al de cualquier otra cosa, principalmente por su argumento, que por si fuera poco, algunos autores como Carlos Aguilar en su Video-guía del cine han señalado como calco del de la cinta norteamericana Río Conchos (Rio Conchos, 1964) de Gordon Douglas.

De este modo, tenemos a un despiadado y enloquecido coronel confederado que, una vez concluida la guerra civil estadounidense, se niega a rendirse a los nordistas, trazando un plan que pretende le sirva para reactivar el conflicto bélico. Dicho plan consiste en atacar una caravana militar unionista que transporta una importante suma de dinero, con la cual, una vez de vuelta a casa, espera reorganizar un ejército que continúe peleando por la causa del Sur. Para ello cuenta con la ayuda de sus tres hijos, criados bajo una férrea disciplina, y la de su alcohólica amante.

Aparte del carácter itinerante de la historia, ya que el desarrollo de la misma consiste en las distintas peripecias del grupo protagonista en su viaje de vuelta tras el comentado robo, a lo largo de su metraje encontramos no pocos puntos en común con el de la obra magna del western español, la sin par Antes llega la muerte / I sette del Texas (1964), ya sea por el desesperado intento de lograr un objetivo casi imposible que empuja a sus protagonistas a emprender el viaje, de corte idealista en la cinta que nos ocupa, humanitaria en el caso de la obra maestra de Joaquín L. Romero Marchent, como por la presencia en ambos films de personajes enrolados en tal aventura y cuyo verdadero interés radica en obtener su propio lucro personal, en este caso los dos hijos “blancos” del coronel a los que lo único que les frena llevar a cabo tales deseos es la tiránica figura de su padre, o en otros detalles como que cierta parte del viaje deba desarrollarse por territorio indio, o el enfrentamiento entre algunos de los integrantes de la caravana, derivado de la tensión sexual provocada por la presencia de una atractiva mujer dentro de la misma.

A pesar del citado clasicismo con el que es tratada la historia, Corbucci no renuncia a alguna de las marcas de la casa, como puede ser el tenebrismo gótico de ciertas escenas, como aquella en la que en medio de una noche lluviosa los tres hijos desentierran el botín del cementerio militar, el tono irónico de algunos pasajes, como que sea una patrulla de soldados unionistas quienes salven al grupo de renegados, y con ello el tesoro que transportan, del ataque de una numerosa partida de bandidos mexicanos, o incluso el autoguiño dedicado por el realizador trasalpino a su referida Django, con la ocurrencia de que sea un ataúd el continente elegido para llevar escondido el botín.

Con un acabado técnico bastante logrado, donde destacan tanto varias composiciones de Corbucci - aunque este eche mano en su planificación al tan extendido durante la época empleo del zoom -, como la fotografía del posteriormente realizador Enzo Barboni, y con una no demasiado memorable banda sonora del célebre Ennio Morricone, es una lástima que Los despiadados no llegue a más en sus resultados por culpa de un alargamiento innecesario de la resolución de su trama, y lo evidente de su pretendidamente sorpresivo final, así como por una falta de profundización en varias ideas esbozadas en su guión de lo más jugosas, como por ejemplo el posible conflicto étnico que podría haberse dado entre los distintos hijos del coronel, los dos legítimos, y el (suponemos) bastardo mestizo interpretado por nuestro Julián Mateos, dada su condición de sudistas y, por tanto, esclavistas, es decir, racistas, pero que finalmente no son aprovechadas, ya que aún tratándose de un título de lo más apreciable y superior a la media, podríamos estar hablando de un trabajo a la altura de lo más granado de la obra del fallecido director italiano.

José Luis Salvador Estébenez

[wpvideo lgcHIvmQ]

Witness the forbidden dance of The Good, The Bad & The Creepy...
Presented to you in glorious RETROVISION (better than hindsight!)
it's more Django than Tango!...
where the only thing worse than two left feet, is four left feet
Lights, Camel, Achtung!

Beware: This featurette contains snake hips &  painted lips!

Título original: California / Adiós, California

Año: 1977 (Italia, España)

Director: Michele Lupo

Productor: Manolo Bolognini

Guionistas: Roberto Leoni, Franco Bucceri, Nico Ducci, Mino Roli

Fotografía: Alejandro Ulloa

Música: Gianni Ferrio

Intérpretes: Giuliano Gemma (California / Michael Random), William Berger (Sr. Preston), Miguel Bosé (Willy Preston), Raimund Harmstorf (Rope Whittaker), Chris Avram (Coronel Nelson), Paola Bosé (Helen Preston), Robert Hundar [Claudio Undari] (Eric Plummer), Malisa Longo (Yasmin), Dana Ghia (Sra. Preston), Franco Ressel (Full), Enzo Fiermonte (Padre), Paolo Magalotti, Alberto Dell’Acqua (Soldados sudistas), Romano Puppo (Gary Luke), Ferdinando Murolo, Tom Felleghy, Piero Leri, Franco Fantasia, Mario Novelli, Diana Lorys, Andrea Aureli, Alfil Caltabiano, Piero Morgia, Manuel Pereiro, Elsa Zabala..

Sinopsis: Estados Unidos, en los últimos días de la Guerra de Secesión. Willy y Random, dos soldados sudistas, se dirigen a sus lugares de origen. Durante el camino, William es asesinado y Randolm se dirige a casa de la familia de éste para entregarles una medalla conseguida por el muchacho. Whittaker, un cazador de recompensas, buscado por la policía, por asesino, rapta a la hermana de Willy. Random saldrá en su busca.

También conocida como Adiós, California o Le llaban California, nos encontramos ante un claro ejemplo de como una vez pasada ya la época del llamado fagioli western, o lo que es lo mismo, la corriente cómica del western mediterráneo surgida a raíz del éxito de Le llamaban Trinidad (Lo chiamavano Trinità, 1970) de Enzo Barboni, y el tímido intento de reformulación que supuso cierta serie de films en los que se entremezclaban las constantes habituales del género con las artes marciales, siendo tal vez la más representativa de este grupo El kárate, el colt y el impostor / Là dove non batte il sole / Blood Money / Stranger and the Gunfighter (1974) de Antonio Margheriti, aunque solo sea por el hecho de estar coproducida por la Shaw Brothers de Hong Kong, el spaghetti-western volvía a mirar a sus raíces, retomando los rasgos por los que había sido el género señero del cinema bis europeo durante más de una década.

Así, aparte de por un reparto repleto de caras familiares, ya que a su protagonista absoluto, Giuliano Gemma, hay que añadir el concurso de algunos secundarios tan recurrentes como William Berger o un bigotudo Robert Hundar como uno de los despiadados caza recompensas, tenemos un argumento enclavado en los habituales márgenes del género, que en su esencia no es más que la típica historia sobre el pistolero de pasado misterioso y torturado que, hastiado de su modo de vida, intentara comenzar una nueva etapa más tranquila y pacifica, hasta que un hecho, en este caso el secuestro de su amada por parte de una banda de forajidos, perturbe su felicidad y le obligue a empuñar de nuevo las armas.

En este contexto, tal vez la novedad más llamativa de la propuesta sea el tono sombrío, incluso pudiera decirse crepuscular, que le es otorgado al conjunto por parte de su realizador, Michele Lupo, director de los llamados artesanales con el que Gemma venía colaborando desde los tiempos del peplum – Los tres invencibles (Maciste, l’eroe più grande del mondo, 1963) -, y cuya asociación se había cristalizado en títulos dentro del género como Arizona Colt (Arizona Colt, 1966) o Les llamaban y les llaman dos sinvergüenzas (Amico, stammi lontano almeno un palmo, 1971). Pese a tratarse de un título tardío, no sería esta la última realización del director transalpino dentro del spaghetti-western, cuya despedida se produciría años después, ya en la década de los 80, con la cinta de corte cómico a medida de su gigantón protagonista, Bud Spencer, Dos granujas en el Oeste (Occhio alla penna, 1980).

Volviendo a la labor de Lupo en lo que se erige como uno de sus trabajos más inspirados y cuya realización denota ciertas aspiraciones, uno de sus mayores aciertos es el uso que este hace de los bucólicos parajes por los que transita la historia como refuerzo dramático de la misma, convirtiéndolos en algo así como un reflejo del espíritu que preside en cada momento el ánimo de sus protagonistas. Así, en el primer tercio de la cinta, en el cual se nos narra el camino de vuelta a casa de los soldados confederados derrotados tras la guerra civil, predominan los escenarios lluviosos, agrestes y desolados, para una vez pasemos a su segundo tercio, con la llegada del personaje de Gemma a la granja familiar, y con ello, el paulatino comienzo de una nueva vida alejada de la violencia, pasemos de unos primeros momentos en los que la niebla cubre el horizonte, a días completamente soleados cuando su felicidad sea plena. Una vez que esta felicidad sea rota, y nuestro protagonista retome las armas en busca de venganza, la película discurrirá por ciudades fantasmales enclavadas en los desérticos parajes de Almería, como simbolismo del retorno a ese pasado que California creía haber superado.

Junto a lo señalado, es también digno de resaltar la forma en que la película nos plantea la soledad e indefensión del bando perdedor en una guerra, más allá de ideologías, como oportunamente se encarga de recordarnos en un momento dado el personaje interpretado por Miguel Bosé, por medio de los continuos desprecios, y humillaciones a los que son sometidos los soldados sudistas tanto por los ciudadanos de a pie, como por parte de los estamentos gubernamentales. Sobre esto último es de destacar la hipócrita actitud que toma el nuevo gobierno para con los derrotados en el film, llenándose la boca con palabras como reconciliación, mientras por otro lado contrata a cazadores de recompensas para que den cuenta de todos aquellos ex-combatientes que no estén dispuestos ni a dejarse explotar como mano de obra barata, ni a reengancharse en el ejército, para que una vez que los servicios de los asesinos a sueldo ya no les sean útiles, declarar a estos como proscritos.

No obstante, y a pesar de los muchos aciertos que atesora la cinta, y dejando a un lado lo discutible de ciertas decisiones formales a la moda de algunos éxitos de la época, como el montaje al ralentí de varios de sus planos, esta California, sin dejar por ello de ser un film encomiable, dista mucho de ser una película redonda por una serie de detalles francamente mejorables, caso de lo mal dibujado que resulta un personaje de la importancia de Willy, ya que aunque una de las misiones de este sea la de dar una óptica idealizada de la guerra como una cuestión casi de honor, en contraposición con la del personaje de Gemma, y por muy inocente que se nos quiera hacer creer que es, tal y como se comporta – pasemos por alto su actitud de perrito faldero, que de reiterativa, diríase que es fruto de una atracción (homo)sexual de este hacia su partenaire - más parece un cadete próximo a unirse a filas que alguien que ha pasado los rigores de una guerra, de lo precipitados que se antojan los coqueteos de la hermana del citado Willy con California, cuando pocas horas antes acaba de tener noticia de la muerte de su hermano, o lo fuera de lugar de la banda sonora de Gianni Ferrio, más propia de un melodrama que de un western, por muy regusto melancólico que este tenga.

José Luis Salvador Estébenez

Otra recopilación de mini-reseñas publicadas en su día en Psychotronic Kult Video, en este caso dedicadas al spaghetti-western, y que en esta primera entrega voy a centrar en aquellas dirigidas por realizadores hispanos:

- Clint el solitario (1967) de Alfonso Balcázar: http://psychotronickultvideo.blogspot.com/2007/04/clint-el-solitario.html

- Un hombre vino a matar (1968 ) de León Klimovsky: http://psychotronickultvideo.blogspot.com/2006/08/un-hombre-vino-matar.html

- Un dólar para Sartana (1971) de León Klimovsky: http://psychotronickultvideo.blogspot.com/2007/04/un-dlar-para-sartana.html

Título original: Bang Bang Kid / Bang, Bang

Año: 1967 (Italia, España)

Directores: Giorgio Gentili, Luciano Lelli

Productores: Sidney W. Pink,  Mirko Purgatori

Guionistas: José Luis Navarro, José Luis Bayonas, Luciano Lelli

Fotografía: Antonio Macasoli

Música: Nico Fidenco

Intérpretes: Tom Bosley (Merriweather Newberry), Guy Madison (Bear Bullock), Riccardo Garrone (Kossock), Sandra Milo (Gwenda Skaggel), José María Caffarel (Alcalde Skaggel), Dyanik Zurakowska (Betsy Skaggel), Luciano Bonanni (Barbero), Giustino Durano (Hotchkiss), Ben Tatar  (Leech), Federico Boido (Seis dedos), Umberto Raho (Reverendo Garrett Emerson Langry), Ennio Antonelli, Renato Chiantoni, Mario Danieli, Pino Ferrara, Eugenio Galadini, Jeanine Nardell, Nazzareno Natale, Mimmo Poli, José María del Río (Narrador)…

Sinopsis: En un pueblo de Arizona dominado por un sádico terrateniente aparece un hombrecillo insignificante que asegura poder lograr aquello en lo que los más famosos mercenarios han fracasado: suprimir al villano. Su método es una especie de robot teledirigido de infalible puntería.

Sin lugar a dudas, Bang, Bang es uno de los títulos más singulares de todos los encuadrados dentro de un género ya de por si muy dado a los argumentos bizarros como es el spaghetti-western, tal vez con permiso de la alucinada Get Mean [vd: Get Mean, 1975] de Ferdinando Baldi, aquella película en la que Tony Anthony, en su característico papel de “El extranjero”, se las tenía que ver, entre otros peligros, con hordas de vikingos mientras acompañaba a una princesa española de vuelta al país natal de esta.

Y no será porque el argumento del film sea de lo más novedoso, ya que de nuevo tenemos la sempiterna historia del pueblo sometido bajo el yugo de un cacique local, al que la llegada de un forastero acabara por terminar con el dominio y abusos de este. Sin embargo, bajo este argumento tan manido, desarrollado de una forma simplona y predecible, cuyo leitmotiv final termina por ser una relación amorosa, tenemos multitud de detalles de lo más pintorescos, principalmente por la personalidad que se esconde tras el forastero pacificador, que lejos de ser el típico pistolero al uso no es sino un inventor que se valdrá de un robot creado por él mismo para acabar con los esbirros de Bear Bullock, que así es como se llama el señor local, detalle este que, junto a la ambientación temporal de la cinta, exactamente en 1899, en el pueblo más atrasado y el único sin pacificar de todos los Estados Unidos, tal y como se cuida de avisarnos el narrador, demuestran, en mi opinión, una clara influencia de la genial serie televisiva norteamericana Jim West (The Wild Wild West, 1965-1969), que por entonces triunfaba en las pequeñas pantallas de medio mundo, y que serviría en el futuro como base de la fallida versión cinematográfica Wild Wild West (Wild Wild West, 1999) de Barry Sonnenfeld (amén de un par de apreciables telefilmes).

Junto a esto, por lo que más llama la atención la película, y tal vez por lo que puede ser más recordada, para bien o para mal, es por la inclusión de ciertas escenas de metáfora visual, donde los pistoleros habituales del género dejan paso a caballeros, reyes y princesas vestidos a la antigua usanza del Medioevo, dotando al conjunto de un look de lo más especial, lo cual es potenciado con la ocurrencia de situar la guarida del villano en un castillo, que, como si extraído de un relato de Poe se tratara, ha sido llevado allí piedra a piedra desde Europa, y que en la realidad no es otro que el castillo de los Mendoza de la madrileña localidad de Manzanares El Real, lugar de rodaje habitual de innumerables películas durante la época.

Dirigida por Luciano Lelli, desconocido cineasta trasalpino cuya filmografía tan solo comprende el título que nos ocupa y una cinta de aventuras filmada con idéntico equipo técnico a esta, Ragan (1967), se da la curiosa circunstancia de que en ambos casos la gran parte de las fuentes consultadas acreditan a un co-realizador, en esta oportunidad el habitual ayudante de dirección Giorgio Gentilli. También disponemos de un elenco interpretativo de lo más atractivo, encabezado por Tom Bosley, bastante popular en nuestro país merced a su encarnación del sheriff de la serie televisiva Se ha escrito un crimen (Murder She Wrote, 1984-1996) o el cura detective de la serie Los misterios del padre Dowling (Father Dowling Mysteries, 1987-1991), el habitual del género Guy Madison, la bellísima Sandra Milo, presencia habitual del cine italiano de autor, y nuestro José María Caffarel. Se trata, en suma, de una película ciertamente insustancial y prescindible más allá de los señalados elementos peculiares que se dan cita en su metraje, pero que debido al tono ligero de su narración, que en algunos momentos, como en el asedio a la fortaleza, se acerca al espíritu del cartoon, se deja ver no sin cierta simpatía, aunque seguramente para los más puristas del género su visionado les pueda producir poco menos que un sarpullido...

José Luis Salvador Estébenez

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anda la ostia jaja putos san benitos si no es curro jimenez mejor dicho por sancho gracia, disculpar es que con tanta bola con eso del curro jimenez pues al final uno se queda con lo que se queda... con su san benito para toda la vida.

Título original: Condenados a vivir

Año: 1971 (España)

Director:Joaquín L. Romero Marchent

Productor: Serafín García Trueba

Guionistas: Santiago Moncada, Joaquín Romero Hernández [Joaquín L. Romero Marchent]

Fotografía: Luis Cuadrado

Música: Carmelo Bernaola

Intérpretes: Robert Hundar [Carlo Undari] (Sargento Brown), Emma Cohen (Sarah Brown), Alberto Dalbés (Thomas Lawrence, el dandy), Manuel Tejada (Dim Marlowe), José Manuel Martín (John McFarlane), Antonio Iranzo (Ray Brawster), Ricardo Díaz (Joe Farrow, el comanchero), Carlos Romero Marchent (Slim), Rafael Hernández (Dick Patterson), Eduardo Calvo (Sargento Taylor), Lorenzo Robledo, Simón Arriaga (Soldados),  Emilio Rodríguez, Xan das Bolas (Buddy), Francisco Nieto, Antonio Padilla, Juan Antonio Elices, Mabel Karr (Sra. Brown), Dan van Husen (Hijo de Buddy)...

Sinopsis: Siete convictos condenados a trabajos forzados en una mina son trasladados bajo la atenta mirada de un sargento y su hija. En realidad, dicho traslado es una excusa para transportar el oro de la mina a salvo de los posibles asaltadores de caminos, ya que el botín se halla camuflado en las cadenas de los presos. Una vez la diligencia se estrella, la caravana proseguirá el camino a pie, mientras la convivencia entre el grupo se hace cada vez más difícil, entre otras cosas porque uno de los reclusos es el asesino de la mujer del sargento.

Condenados a vivir supuso en su día el legado cinematográfico, en lo que al western se refiere, del pionero Joaquín Luis Romero Marchent, sin lugar a dudas el mejor realizador español dentro de este terreno, quien se descolgó con un título que, formalmente, se presenta alejado de los planteamientos que habían presidido sus anteriores incursiones en dicho género. Y es que si las obras anteriores del mayor de los Romero Marchent se habían destacado por su clasicismo y sobriedad, más emparentadas pues con el western norteamericano que con el europeo, su despedida se produjo con un film seco, crudo, nihilista, sin concesiones y brutalmente violento, hasta el punto de que la truculencia de sus imágenes deja chica lo visto en anteriores (y posteriores) títulos encuadrados dentro del spaghetti-western como Django (Django, 1966) de Sergio Corbucci, por poner un ejemplo, entrando de lleno, e incluso superando, los esquemas de dicho estilo.

De este modo, y debido a las coincidencias existentes entre el argumento de la presente y el de su considerada obra maestra, Antes llega la muerte (1964), da la sensación de que el director madrileño pretendía hacer un remake de aquella en clave spaghetti. Así de nuevo tenemos una historia coral centrada en el viaje de un variado grupo de personas por un territorio hostil durante el que tendrán que hacer frente a mil y una adversidades; en esta ocasión, un grupo de reos, junto a su guardián y la hija de este, pero con la salvedad de que si en la considerada gema del western español, pese al pesimismo que preside su narración, hasta el mismo final existe una puerta abierta a la esperanza, a la vez que queda clara la buena voluntad de alguno de los personajes que conforma el grupo protagonista, en la presente el director de El sabor de la venganza lanza una sombría mirada hacia el género humano con un plantel de individuos a cada cual más despreciable e inhumano, de los que ni siquiera se salva el sargento que comanda el grupo de reos y que es interpretado por el actor fetiche del realizador, el italiano Robert Hundar, quien de nuevo vuelve a encarnar para Joaquín a un hombre movido por la venganza, en este caso sobre el grupo de convictos sospechosos de asesinar a su mujer, siendo el único personaje puro el de la hija de este, aunque dicha inocencia habrá de pagarla muy cara sufriendo un auténtico vía crucis en el que será violada, verá cómo es torturado y quemado vivo su padre y, finalmente, se enamorará y llorará la muerte del asesino de su madre, sin que nunca llegue a conocer este dato, fruto de una negra ironía que preside el guión firmado junto al realizador por el interesante aunque irregular Santiago Moncada, como demuestra el hecho de que los reos transporten oro en sus cadenas, pasando de querer librarse de estas para que sus grilletes se conviertan en su mayor tesoro.

Sin embargo, si Antes llega la muerte destaca tanto por su perfecta construcción dramática como por su cuidado diseño de personajes, Condenados a vivir desatiende tales aspectos doblegándose al efectismo de sus imágenes, representado en su desfile de sádicas atrocidades que comprende amputaciones, puñaladas o degollamientos, momentos en los que Romero Marchent se regodea insertando sanguinolentos planos-detalle en los que incluso podemos ver asomar las vísceras de las víctimas, secuencias estas algunas de las cuales fueron censuradas en su estreno español (1), pero que hoy podemos ver tal y como fueron concebidas gracias a las nuevas tecnologías, esas que algunas asociaciones privadas con afanes recaudatorios que dicen defender la cultura demonizan de cara a la opinión pública en connivencia con el estado.

Es debido a la truculencia de sus imágenes que Condenados a vivir ha alcanzado en muchos países el estatus de cinta de culto a pesar de no poseer la brillantez de otros títulos de su director, siendo señalado como uno de los precedentes europeos más claros del slasher norteamericano tras la extraordinaria Bahía de sangre (L’ecologia del delito, 1971) del genial Mario Bava, cinta estrenada por idénticas fechas y con la que comparte un tono en su violencia grafica tan similar que incluso podríamos intercambiar con esta alguna de las escenas de la presente, como aquella en la que uno de los presos apuñala a un hombre para acto seguido colgarle de un gancho agarrado a la espalda de este. Es por todo ello que, a pesar de que en teoría se trate de un western, va siendo hora de empezar a plantease en considerar a la película de Romero Marchent como otro título más del coetáneo fantaterror español, aparte de por la multitud de secuencias gore que se dan cita en su metraje por otros momentos totalmente propios del fantástico, como la escena de la ensoñación etílica de uno de sus personajes, durante la cual creerá ver, literalmente, resurgir de sus cenizas al difunto sargento y perseguirle por el bosque como si de un zombi se tratara.

José Luis Salvador Estébenez

(1) No así en el norteamericano, donde para su lanzamiento bajo el título de Cut Throats Nine se utilizó el gimmick de repartir entre los espectadores unas especies de máscaras que servían para no contemplar los horrores que aparecían en pantalla.

En la década de los años 60 estuvo de moda un particular subgénero de los Westerns, llamado el Spaguetti Western. El término fue usado por los críticos para menospreciar al género, puesto que la mayoría de estas películas fueron financiadas por compañías italianas o españolas y se rodaron en Almería (España) en el desierto de Tabernas. Sin embargo, algunas de estos films fueron tratadas con respeto, especialmente la Trilogía del dólar, del director italiano Sergio Leone.

El spaghetti western se caracteriza por una estética sucia a la vez que estilizada, y por unos personajes aparentemente carentes de moral, rudos y duros, haciéndo uso de los clichés clásicos del Western americano para crear un estilo propio sirviéndose del mito.

En Europa, La producción en serie de estos westerns se inició en 1962, pero no fue hasta un par de años más tarde que, gracias al éxito de Por un puñado de dólares de Sergio Leone, se convirtió en un género de masas. En principio la crítica fue reticente, por no decir claramente despectiva --de ahí el término "spaghetti western"-- pero con el tiempo, tendría que admitir que se trataba de un nuevo género, que tomaba del western americano tradicional los elementos básicos pero los estilizaba y recomponía de forma totalmente original, mostrando especial atención por aquellos aspectos críticos que Hollywood había camuflado bajo los estereotipos del justiciero bueno y el bandido malo moviéndose dentro de una sociedad en perenne "estado de excepción", sin más ley que las armas.

Entre 1962 y 1976 se produjeron en Italia y España unos 500 títulos, cifra respetable que demuestra la existencia de una indiscutible demanda por parte del público. Ciertamente, muchas de estas películas no eran lo que se dice obras maestras, pero la mayoría mostraba un digno nivel técnico-artístico --con aportaciones especialmente reseñables a nivel de diseño y música-- y algunas han pasado por méritos propios a la historia del cine europeo, influyendo a cineastas de todo el mundo.

Grandes músicos, tales como Ennio Morricone, Antón Garcia Abril, Armando Trovaioli --entre muchos otros-- compusieron temas inolvidables y ahora clásicos (especialmente Morricone) que los lanzaron a la fama a nivel mundial. Lo mismo ocurrio con grandes actores como Clint Eastwood, Terence Hill, Bud Spencer, Charles Bronson, Gian Maria Volonte, Lee Van Cliff,.. y así hasta completar una larga lista de nombres que ocuparian gran espacio de este post.

A partir de los setenta, este genero empezó a declinar y con excepción de algunos nuevos films, realizados en Hollywood, desapareció ese magnifico género que tanto disfrutábamos en esos ya lejanos días.

Luis Irles

Datos via Wikipedia

Tributo a Sergio Leone

il Buono, il Brutto, il Creeepy...

Featuring: Radiohead vs Hugo Montenegro & his Orchestra

The Short Cigar belongs to the man with no name.
The Long Gun belongs to the man with no name.
The Poncho belongs to his mother...

Sounds like: " The man with no name" wishes he was special.
File under: More Django than Tango

[audio http://philretrospector.wordpress.com/files/2008/09/good-bad-creepy.mp3]

Get: THE GOOD/THE BAD & THE CREEPY

Il film in questione era talmente violento e fuori di testa - nella sua commistione tra horror e western - da meritarsi il divieto ai minori di 18 anni. Ebbe un'ampia distribuzione all'estero, nei paesi anglosassoni fu distribuito col titolo A man called Blade, ovvero "un uomo chiamato lama". A mio parere piuttosto discutibile. Come per ogni spaghetti western che si rispetti, non vale la pena raccontare per filo e per segno la trama, nove volte su dieci una vengeance story delle più classiche. 

In questo caso Maurizio Merli/Mannaja - dopo aver catturato un bandito (il superbo e compianto Donald O'Brian) aiuta l'assassino di suo padre invece di ucciderlo, mostrando una compassione tanto rara quanto improbabile considerate le dinamiche tipiche tra gli anti-eroi del western all'italiana. Quello che è importante dire del film è che:

1- c'è questo personaggio assolutamente fichissimo che ci da dentro di mannaja per un'ora e mezzo per la gioia degli occhi dei cultori del genere western all'italiana.

2- Che Sergio Martino - sulla falsariga di Keoma , dell'anno prima - mette in piedi un gioiello visionario con una sequenza iniziale degna del miglior Sam Raimi e una galleria di personaggi uno migliore dell'altro. Il villain John Steiner/Woller con i suoi cani feroci, il monco (per via di una mannajata di Mannaja in persona) Burt Craven con il suo sadico doppiogiochismo e ovviamente Mannaja, tamarro e trucido fino alla fine, galante con le donne (rigorosamente di strada) e misericordioso quando serve. 

Grande western all'italiana, già entrato nella mia top five:

1 - Matalo! di Cesare Canevari (1970)

2 - C'era una volta il west di Segio Leone (1968)

3- Keoma di Enzo G. Castellari (1976)

4 - Vamos a matar, companeros! di Sergio Corbucci (1970)

5 - Il Grande silenzio di Sergio Corbucci (1968)

..mannaja la miseria, non me la sento di scalzare  Corbucci! Facciamo...

6 - Mannaja di Sergio Martino (1977)

Título original: Ehi, amico, c'è Sabata... hai chiuso!

Año: 1969 (Italia)

Director: Gianfranco Parolini [Frank Kramer]

Productor: Alberto Grimaldi

Guionista: Gianfranco Parolini, Renato Izzo

Fotografía: Sandro Mancori

Música: Marcello Giombini

Intérpretes: Lee Van Cleef (Sabata), Franco Ressel (Stengel), William Berger (Banjo), Gianni Rizzo (Juez O'Hara), Nick Jordan [Aldo Conti] (Indio), Pedro Sánchez [Ignazio Spalla] (Carrincha), Antonio Gradoli  [acreditado como Anthony Gradwell] (Ferguson), Robert Hundar [Claudio Undari] (Oswald), Luciano Pigozzi [acreditado como Alan Collins] (Falso Padre Brown), Linda Veras (Jane), Spartaco Conversi [acreditado como Spanny Convery] (Slim), Carlo Tamberlani [acreditado como Charles Tamblyn] (Nichols), John Bartha (Sheriff), Marco Zuanelli (Sharky), Franco Marletta (Capitán)...

Sinopsis: Durante la construcción del ferrocarril en el salvaje oeste, algunas fuerzas vivas de la región consiguen robar cien mil dólares de una caja del ejército para poder comprar los terrenos por los que pasará el tren. Pero lo que no saben es que Sabata anda por allí…

Presentación en sociedad de Sabata, uno de los personajes más recurrentes del spaghetti-western junto con Ringo o Django, creado por el realizador italiano Gianfranco Parolini, padre de otros personajes populares del cine europeo de género de la época, como el Comisario X (1) y su inseparable compañero, el capitán Tom Rowland (a quienes dieran vida en todas sus aventuras cinematográficas, respectivamente, Tony Kendall – en realidad, el italiano Luciano Stella – y el musculoso Brad Harris), el trío de superhéroes conocidos como Los tres superhombres - o supermen – (2), protagonistas de una de las sagas más prolíficas y trotamundos del cinema bis que se prolongaría hasta mediados de la década de los 80, ya dentro de la más recalcitrante serie Z y sin ninguna relación con su creador, u otro de los roles más populares del género que nos ocupa, Sartana, con el que este Sabata incluso comparte cierta similitud en alguno de sus rasgos, caso de su enlutado atuendo.

Interpretado de forma ejemplar por Lee Van Cleef, lo que, junto a su vestimenta, hace que no pocos autores le hayan comparado con el coronel Mortimer que este interpretara en La muerte tenía un precio / Per qualche dollaro in più / Für ein paar Dollar mehr (1965) de Sergio Leone, Sabata es un enigmático personaje del que nada sabemos – casi al final del metraje, uno de sus compañeros le preguntará: “¿Quién eres tú?”, a lo que este responderá con un ambiguo “¿Es qué aún no lo has comprendido?” -, que hace gala de una envidiable puntería, para lo que dispone de un asombroso arsenal, así como de una audacia que se traduce en un sinfín de trucos a cada cual más sorprendente, y a quien acompañan una variopinta galería de personajes de lo más singular.

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